美术风格阶段
Ⅰ 18世纪法国美术分为哪几个阶段
18世纪法国美术的情况可以分为三个阶段：第一个阶段为18世纪20年代以前。此期为过渡阶段，是古典主义风格逐渐过渡到罗可可风格的创立。第二阶段为20年代到70年代或称“路易十五时代”，是宫廷罗可可艺术与代表第三等级的市民艺术并存和相互对抗的时代。第三阶段为70年代以后或称“路易十六(1774年继位)时代”。这是新古典主义兴起的时代。
总的说来，18世纪法国美术发展的前两个阶段，其主要的艺术潮流是罗可可艺术和市民艺术。18世纪70年代以后，法国处于大革命的前夜，市民艺术已经完成了时代的使命，代之而起的是新古典主义艺术。
Ⅱ 教师教学艺术风格的形成要经历哪几个阶段
教师教学艺术风格的形成要经历四个阶段：
1、模仿阶段
模仿是教师进行教学艺术活动的最初萌芽阶段，也是教师教学艺术实践活动的起点。开始从事教学工作的新教师，一般来说由于缺乏实际的教学经验和独立教学工作的能力，所以习惯或被迫模仿自己所敬佩的名师或周围同事的教学设计方式、具体的教学方法，教学活动往往是从搬用或套用他人成功教学模式、教学经验开始。
教师在这一阶段的教学活动中，所表现出来的较为显著的特点是模仿性成分较多，而没有或缺乏有个性的独立性成分。这些教师对教学的规律还处于了解和初步认识阶段。他们在教学活动中还是处于一种比较被动的状态。
这一阶段的教师在准备教学工作中对教学参考资料和集体备课活动具有依赖性，在教学过程中对教材的处理方法和教学方法的选择都比较单一，课堂教学活动中教师更多地将自我注意力集中于自己如何正确、清楚地向学生呈现教材内容上，很少有精力关注学生的学习活动。
而在教师这种模仿性教学的课堂学习活动中，学生基本是处于被动接受式的学习状态。在这一阶段的教师，他们对教学艺术的探索，还仅仅处于萌芽和自发状态，他们需要外界给予的刺激，来诱导教师步入新一阶段。
新教师在教学的模仿阶段停滞期的长短，主要取决于他的模仿的态度是积极主动的，还是消极被动的。教师在教学的开始阶段，积极的模仿是必要的，但教师自身不能消极地停留在这一水平上。模仿性教学随着教学实践活动的深入，教师应积极思考和不断吸收他人的成功经验。
教师自身的独立思考、独立处理教学中的相关问题的意识和能力不断增强，在课堂教学的自立因素和能力也不断增强。教师对教学独立性的积极追求和努力实践，促使其课堂教学水平开始向高一个层次跃进。
2、独立教学阶段
伴随着教师教学经验的积累和教师教学自立意识与自立能力的增强，教师的课堂教学逐步由模仿教学进入到独立性工作阶段。独立性教学是教师形成教学艺术风格的前提条件，是教师教学艺术形成与发展过程的关键阶段。
在这一阶段，教师开始不再受他人教学模式的影响和束缚，对教学的主观能动性开始占据主导地位。这一阶段的教师能根据教学内容和学生学习的特点，独立地设计教学过程，选择适合自己的教学方法。
能够独立运用自己的语言、表达方式和方法进行教学，课堂教学开始呈现出比较鲜明的节奏感。教师开始有意识地研究课堂教学艺术，有意识地实施教与学的有机结合，有意识地关注学生在自己教学过程中的反馈信息。
并努力根据学生的反馈信息对教学活动进行调整，注意调动学生在教学过程中的积极性、主动性，这一阶段，教师开始在教学实践中有意识地探索寻找个性特征与教学艺术的结合点，通过积极的思考、领悟、体验，逐步将他人的优秀经验有机地吸收，并融入自己的教学风格与个性特征之中。
3、创造性教学阶段
比较扎实的独立教学能力和独立的教学个性特征，使得教师教学的自信心增强。在这一阶段教师已经具备较强的能力，从自己的个性特征出发，有意识、有目的地进行教学艺术的创新，展现出教学艺术的独创性特色，教学艺术进入了个性化的发展阶段。
教师在不断地突破自己，不断对周围同事或以往经验的超越。创造性教学阶段，教师追求最佳的教与学效果；教学内容的衔接、教学节奏的把握、教学的各个环节的设计都努力体现新颖独特的创新。
教师有意识地研究教学中学生学习的规律与心理活动特征，有效地利用直接或间接的教学信息反馈，充分地利用情感因素调动学生学习的情绪，力争通过教学活动促进每个学生的发展。
4、风格教学阶段
教师的教学艺术在教学过程的各个环节都有着独特稳定的表现，教师的教学艺术呈现出浓厚的个性化风格，在教学中经常反复表现出来的个性化的教学模式，标志着他的教学风格的形成。这种教学风格在教学过程中会直接或间接影响着学生的个性发展和学习风格的形成。
形成自己独特教学艺术风格的教师，其教学活动能与教学自身规律和学生学习的内在规律相吻合，教师在教学过程中的主导作用和艺术风格，能针对不同年级、不同水平的学生和不同的教学环境，进入自由充分的发挥状态。
教师由模仿教学到形成自己特色的教学艺术风格的实践过程中，每个阶段的向上跃进的，都需要具备一定的主客观条件。其中，最重要的是教师的内在素质、主观追求与不断地开拓创新，这是决定教师在某一阶段“停滞期”长短的最主要的因素。
不断加强教育教学理论修养和教学研究活动，是不断提高自身课堂教学风格水平的重要途径。在科学理论的指导下，结合自身特点，学习、研究和吸收他人的优秀经验，不断在教学实践中充实和提高自己，才能将教学艺术做到长青不衰。
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教学风格的主要类型
1、理智型
这种风格主要表现在:教师讲课深入浅出，条理清楚，层层剖析，环环相扣，论证严密，结构严谨，用思维的逻辑力量吸引学生的注意力，用理智控制课堂教学过程。
学生通过听教师精辟的讲授，不仅学到知识，受到思维训练，还将被教师严谨治学的态度所熏陶和感染，学会冷静、独立地去思考问题。虽然有的教师在课堂上不苟言笑，但内心却充满对知识的透彻理解和对人的理智能力发展的执着追求。
2、自然型
这种风格特点是，教师讲课亲切自然，朴素无华，没有矫揉造作，也不刻意渲染，而是娓娓道来，细细诱导，师生在一种平等、协作、和谐的气氛下，进行默默的双向交流，将对知识的渴求和探索融于简朴、真实的情景之中，学生在静静地思考、默然地首肯中获得知识。
教师虽然讲课声音不高，但神情自若，情真意切，犹如春雨渗入学生心田，润物细无声，给人一种心旷神怡、恬静安宁的感受。
3、情感型
这种教学风格表现在教师讲课情绪饱满，把对科学文化的热爱和追求融于对学生的关爱和期望之中，充满着对人的高度尊重和依赖。
讲到动情处，往往情绪高涨，慷慨激昂，扣人心弦，撼人心灵，使学生产生强烈的情感共鸣，师生之间在理解沟通的前提下，共同营造出一种渴求知识、探索真理的热烈气氛，学生在这样的教师引导下，所获得的不仅仅是知识训练价值，还包括人格、情感的陶冶价值。
4、幽默型
这类风格所体现的最突出特点是，教师讲课生动形象，机智诙谐，妙语连珠，动人心弦。一个生动形象的比喻，犹如画龙点睛，给学生开启智慧之门；一种恰如其分的幽默，引起学生会心的微笑，如饮一杯清新的甘泉，给人以回味的留恋。
哲人的警句、文化的箴言不时穿插于讲述中，给学生以启迪和警醒。在这种课堂氛围中，学生心情舒畅，乐于学习，在轻松愉快的笑声中获得人生的启迪，获得心智的训练，变机械模仿为心领神会，主动思考。学生学习积极性和主体积极意识将得到充分发挥。
5、技巧型
此种风格在于，教师精于教学的技巧，充满机智，各种教学方法技巧可信手拈来，运用自如，恰到好处。并不带有丝毫雕琢的痕迹。如将多媒体等引入课堂，整个课堂结构有如思维程序，过渡自然，组织严密，搭配合理，有条不紊。讲解、分析、论证思路清晰。
提问、讨论、练习，针对学生实际，充分体现出教师对学生的透彻了解，对教学方法的合理运用和对教材知识重、难点的准确把握。对于学生掌握知识而言，这是一种追求高效率的教学风格。
教学目标
一、教学目标的定义
教学目标是预期的教师指导下学生学习活动的结果或所要达到的标准。
二、教学目标的功能
一是导学——确定教学范围，教学内容，教学重点和难点，以及学生的原有学习基础等，引导学生自主，积极地参与到教学过程中；
二是导教——确定教师将采取的教学步骤，教学环节以及每个步骤或环节将采取的教学活动，指导教师有条理地去完成教学计划或任务；
三是导测量——明确学生要达到的学习要求或水平，为教师本人及教育监督者提供检测的标准和依据。
三、教学目标中包含的理念
1、儿童意识：教育要知性情
2、标准意识“学习”与“学会”有着本质的区别。
学习就要有方法的引导，引导学生由不懂到懂，由知之不多到知之甚多；由不会到会，由不能到能。
“学会”则是掌握应该掌握的知识，具备应该具备的能力。
正确是要求朗读时用普通话读准每个字的字音，吐字清楚、声音响亮，尽可能没有错字、别字、添字、漏字，不重复、不唱读；
流利是要求朗读时语气比较连贯，能读出句逗和段落之间的停顿，节奏自然，速度适当；
有感情是要求朗读时通过轻重、抑扬、停顿等变化，把所阅读文本的感情传达出来，能读出陈述、感叹、疑问等不同语气，同时有主体的感情参与其中。
第一学段“学习用”是强调老师的指导、示范、是学习朗读的过程。
第二学段“用”强调 的是使用普通话进行朗读的实践过程，里面已包含培养相关习惯的意思。
第三学段“能用”强调能力的达成度，要求基本达到用普通话正确、流利、有感情地朗读课文的水平。
默读：起始阶段“学习”默读方法，再要求“初步学会”这种方法，然后是默读有速度，养成习惯。“做到不出声、不指读”这是默读的具体要求，由第一学段移至第二学段，作为初步学会默读的一个具体标志。
识字教学的“学会” 和“认识”标准也是不一样的。识字应该达到“四会”。方智范、崔峦认为“四会”指的是“会读、会写、会讲、会用”。
Ⅲ 西方艺术发展至今共分为哪几个阶段呢
经过漫长的中世纪，在人文主义思想和科学方法的双重影响下，出现了人类美术史上的重要时期——文艺复兴，这一时期复兴了古希腊的艺术模仿自然的学说。为了达到真实反映现实的目的，艺术与科学结合起来，透视学和解剖学成为该时期艺术的两大支柱。意大利佛罗伦萨的乔托成为文艺复兴的第一位画家，他的《哀悼基督》让我们在西方艺术史中第一次在画面上发现了某种令人产生身临其境之感的幻觉真实，乔托标志着西方艺术之“绘画时代”的开始。这一时期，不少杰出的艺术家为了“真实”地反映自然，做了许多科学性的研究。弗朗切斯卡以谨严的数学头脑和科学态度写了《论绘画中的透视》，达·芬奇更认为绘画是一门科学，而“一切真科学都是通过我们感官的经验的结果”。他的《绘画论》系统地讨论了绘画的性质、和现实的关系等美学理论问题，还阐述透视学、光影学、人体比例以及自然现象等知识。文艺复兴时期——主要是意大利画家——完善了真实的概念，发展了再现这种真实的艺术手法。
17世纪和18世纪西方美术史相继出现了巴洛克、罗可可风格
随后的19世纪近代绘画相继出现了新古典主义、浪漫主义、现实主义、印象主义、后印象主义
19世纪末以塞尚、凡·高、高更为代表的后印象主义。
20世纪的绘画开启了大门出现了意大利未来主义法国的俄尔甫斯主义、纯粹主义、英同的漩涡主义等凡·高影响了后来的野兽派。随后相继出现了德国桥社，青骑士等表现主义团体，产生了抽象美术。
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Ⅳ 艺术创作必须经过那三个阶段每个阶段各有什么特点
它通常分为生活积累、创作构思、艺术表达三个阶段。
1、生活积累阶段：艺术灵感表现为审美意象的瞬间生成。
作家在生活中总是细于观察、敏于感受、善于体验、勤于思考，随时随地、有意无意地把生活中的收获物放入自己的意识仓库。这一阶段,艺术家“一直在进行审美认识活动在进行着潜创作,这就使得创作的审美认识正在得到积累叠加,得到整合加工。”
在这一“灵感”突发的瞬间，具体作品的创作目标得到明确，实现这一目标的愿望立即在心中凝结成一种强大的动力，这种心理动力便是创作的内部动机。
2、创作构思阶段：艺术灵感表现为意象的组合与衔接。
创作构思很复杂，画家、诗人一眼瞥见一处优美的景致，就有可能在感知的同时，完成了一幅画或一首诗的构思。而作家、剧作家在提笔写作时，新的情节、人物、细节仍会汩汩而来，即构思依然在进行。
而艺术家们有意识地打腹稿，冥思苦想，则更是构思。艺术家这一阶段创作动机的产生，往往起始于艺术家以其心灵拥抱了某一个视觉形象、一段经历、一次遭遇、一条消息、一个故事、一个人物、一个细节等。
3、艺术表达阶段
灵感是艺术家厚积薄发的创作体验，只有在长期艺术实践中艰辛的积累，才能有喷薄而出的思想源泉，就如同千里奔流的黄河，在壶口终于倾泻而下，把它的精神深深地烙印在我们的血脉。
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生活积累、思想倾向、性格气质、艺术修养是艺术创作得以顺利开展和最终完成的基础和前提。
艺术家创作艺术作品，总是从特定的审美感受、体验出发，运用形象思维，按照美的规律对生活素材进行选择、加工、概括、提炼，构思出主观与客观交融的审美意象，然后再使用物质材料将审美意象表现出来，最终构成内容美与形式美相统一的艺术作品。
大致有以下四大类：泄情动机；兴趣动机；成就动机；私欲动机。在各种各样的创作动机中，只有符合艺术创作活动的审美性质和规律的，才能创作出真正的艺术作品。艺术创作与艺术欣赏、艺术批评彼此制约，有着紧密的联系。
艺术欣赏和艺术批评对艺术创作又具有反作用，具体表现为：艺术欣赏以“消费”的形式刺激艺术“生产”，从“消费”方面赋予艺术“生产”以切实的社会价值和功能。
艺术批评则从理论上指导、影响艺术创作，从而沟通创作与欣赏的关系。艺术创作是十分复杂、艰巨的精神劳动，它要求艺术家必须具有高尚的思想情操、深厚的生活积累、丰富的审美经验、出众的艺术才能和娴熟的艺术技巧。
Ⅳ 少儿美术分为几个阶段
幼儿美术教学培养阶段分为三个层次。
1、小班
以培养幼儿的感官能力，特别是细致入微的观察能力、探索外界事物的认知能力为主，丰富幼儿头脑中的形象积累，让孩子多听、多看、多记，强化幼儿的形象记忆。
2、中班
以培养幼儿类比、联想、发散思维及在绘画中举一反三、触类旁通的思维能力为主。
3、大班
以培养幼儿的再造想象、创造想象为主，让幼儿异想天开，幻想未来，创造未来。
在教学中以系统的形象思维训练为主要内容，以绘画为手段，以游戏活动为主要形式，与各学科有机配合，在全面提高幼儿素质的基础上，培养勇于独创、有丰富感情、有审美情趣及良好个性品质、更聪明的一代是创造思维教学法的最终目标。
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美术理论：
主要研究：艺术概论、三大构成、中外艺术学、大众传播等。
人们运用摄影、绘画和雕塑等造型手段表现过去的生活。观看这些作品中的任务和场景，我们往往能从有趣的细节和感人的故事中引发丰富的想象。艺术作品不是机械的模仿自然，艺术家在反映显示生活的同时，总要融会自己的思想观念和情感态度。优秀的艺术家总是关注社会生活，关爱自然环境，在创作中表现自己的个性。
题材：文艺作品内容的构成要素之一。
主题：文艺作品中蕴涵的基本思想。
改变事物大小比例，改变原有空间位置或环境可以形成新的视觉形象。达利的永恒的记忆边是一个成功的例子。
中国结象征团结、和谐、温暖的人际关系。
著名的舞蹈纹盆是石器时代的彩陶。陶盆内壁绘的舞蹈纹反映了原始社会人们生活的一个侧面，称他为缘故的呼唤。
绘画中的特殊技法基本包括三中种：撒盐法、吹色法，油色吸附法。它们一般用来表现星空。
美术作品体现的运动感是人的一种视觉感受。这种感受受到形体的方向、形状重心、力度等方面的控制和引导。
Ⅵ 文艺复兴的美术分为哪几个阶段
文艺复兴时期是指 14 世纪到 16 世纪西欧与中欧国家在文化艺术发展史中的一个重要历史时期。它是继古希腊、罗马后的欧洲文化史上的第二个高峰。 " 文艺复兴 " 的原意是 " 在古典规范的影响下，艺术与文学的复兴 " 。其变化的基础就是思想基础关怀人、尊重人，以人为本的世界观。这个世界观是在 14 世纪通过一系列科学家、思想家和文学家重新对古代文艺的发掘而得以建立的。当时的人们从古文献中发现了对自然和人体价值的重视，使他们对人和自然作出了新的评价。实际上，文艺复兴作为欧洲历史上的一个伟大的转折点，其含义还要宽广的多。人文主义的出现肯定了人是生活的创造者或主人，他们要求文学艺术表现人的思想和感情，科学为人生谋福利，教育发展人的个性，要把思想、感情、智慧都从神权的束缚中解放出来，提倡个性自由以反对人身依附。文艺复兴时期的美术就是在这个基础上发展起来的。
1.佛罗伦萨早期文艺复兴美术
通过以下的代表人物及作品可以看到佛罗伦萨早期文艺复兴美术的特点：
A ：吉贝尔蒂
吉贝尔蒂 (Lorenzo Ghiberti ， 1378--1455) ，是一位体现了从哥特式美术向文艺复兴美术过渡的人物。他具有较为广泛的才能，创作活动涉及不同领域，但最大的成就，还是在雕塑领域。
代表作品有《天堂之门》 (1424--1452) 是为佛罗伦萨洗礼堂大门完成的青铜浮雕。借鉴绘画手法，利用高低不同的凸起，细腻地塑造着一个个人物的形体和面目 ; 利用透视手段来再现人物的位置、空间环境的深度。在人物动作和衣纹的处理上，仍然保留了一些国际哥特式的优美风格。
B ：布鲁涅列斯齐
布鲁涅列斯齐 (Fillippo Brunelleschi,1377--1446) 在开创新道路、新风格方面，做出了更大贡献。他是位多才多艺的人物，最初他从事雕塑和金银工艺制品的创作，是文艺复兴建筑艺术的伟大代表之一。他创造性地把古罗马建筑形式与哥特式结构融汇在一起。架在鼓形座上的教堂窜窿清晰地突出在空中，庄重、轻快、优美，具有强烈的视觉感染力。布鲁涅列斯齐希望使建筑设计建立在数学这门科学的基础上，把比例和谐视为古典建筑的本质。他利用古典建筑语汇获得了明快、单纯、优美、和谐的效果，使建筑具有一种理性的美。他对绘画发展做出了不可估量的贡献。他在线透视方面的研究成果，给新的绘画创作提供了科学依据。借助线透视制造真实空间的错觉，是意大利文艺复兴画家的重大抱负和杰出成就。
C ：多纳泰罗
多纳泰罗 (Donatello,1386--1466) 是意大利早期文艺复兴第一代美术家，也是 15 世纪最杰出的雕塑家，对古典美术的推崇和借鉴，可以说是文艺复兴意大利美术家的共同特点。多纳泰罗在其一生中，创作了大量生气盎然、庄重从容的雕塑作品。
代表作品：《大卫》 ( 约 1430--1432) 是第一件复兴了古代裸体雕像传统的作品。多纳泰罗运用古希腊人创立的 " 对应 " 构图方式，向人们展现一位形体比例和结构都十分准确的少年形象。这位圣经人物不再是概念性的象征，而是一个活灵活现、有血有肉的生命。
《圣乔治像》 (1415--1417) 《加塔梅拉达骑马像》 (1445-1450)
D: 马萨乔
马萨乔 (Masaccio,1401--1428?) 在文艺复兴绘画发展历程中却是一位影响重大的关键人物。在他的创作中，彻底摆脱了晚期哥特式绘画的优雅风格和装饰意味，把塑造真实形象和真实空间摆在了首位。
代表作品：《纳税金》 (1425--1428) 是一幅描绘宗教主题的大型壁画（当时壁画在意大利是十分流行的绘画样式）。不同人物、不同场景，都显得十分真实，富于体积感。人物各自的神态和动作都是从表现他们之间的不同关系和心理状态出发来刻画的。在那些合乎线透视法则的建筑和自然环境中，人物位于各自的位置上，就像生活的真实场面一样。这儿丝毫没有那种强调画面装饰性的安排、追求优美的线条和色彩的国际哥特式绘画的影子，饱满的人物形体也许有点儿笨拙，但却非常实在，直线性的造型节律，加强着壁画的纪念性。真实而有气势，正是马萨乔艺术的特色。
E ：阿尔伯蒂
著名的人文主义者阿尔伯蒂 (Leon Battista Alberti,1404--1472) 学识渊博，是个典型的 " 全才 " ，他非常重视数学这门科学对美术的作用。关心理论问题，不把美术视为纯粹的技艺，而是把它当成智慧的体现，这种态度是文艺复兴时期美术家的普遍态度，他写下了有关绘画、雕塑、建筑的著作，发表于 1485 年的《建筑十书》对文艺复兴建筑发展产生过相当大的影响。
对方与圆等几何形的偏爱，可以说是这个时代和他本人艺术的特点。
16 世纪头 25 年的意大利，是一个政局紧张、战事几乎连绵不断的时期。正是在这极其动乱的阶段里，盛期文艺复兴艺术形成了。这是一种明朗而又高尚观念的、伟大而又有克制力的艺术，总而言之，就是古典式平衡的艺术。文艺复兴三杰 -- 著名的艺术家达 · 芬奇 (1452--1519 年 ) ，米开朗琪罗 (1475--1564 年 ) 和拉斐尔 (1483--1520 年 ) 出现了，标志着意大利文艺复兴美术达到光辉灿烂的鼎盛时期。他们每一位都是突出的个人主义者，尽管互相之间产生灵感碰撞的火花，却从未形成一个团体。他们三位都达到了超凡的技巧造诣和完美的心灵、眼与手的配合。不太费力地解决了早期艺术家们为难的问题。他们作品的艺术形式总是美妙地昭示出理智性的内容。
2.意大利文艺复兴美术：在文艺复兴盛期，以达 · 芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔为代表的一批美术家，迸一步完善了 15 世纪意大利人的探索，使理性与情感、现实与理想在美术品中获得了完美统一，使形与空间的关系获得了高度和谐，从而为再现性的美术确立了一种经典样式，给后世提供了效法的最佳范例。在以后西方美术的发展历程中，无时不感到它的强大影响力。推崇也好，否定也好，都是因为意识到它的存在。通过这些美术家的介绍和作品，您可以看到意大利盛期文艺复兴美术的状况。
（ l ）达 · 芬奇
达 · 芬奇 (Leonardo daVinci,1452--1519) 出生在芬奇镇，或许人类有史以来，还不曾有过达 · 芬奇这样全面发展的人。他涉猎的领域之广、取得的成就之大，真是令人难以置信。美术只不过是他渴求理解世界的方式之一，并没有占据他的全部时间和精力，但他在这一领域内却获得了惊人成就。把自然科学知识引人美术，是 15 世纪意大利人的重大贡献，达 · 芬奇继承了这种传统并大大完善了它。
代表作品：著名的《最后的晚餐》 ( 约 1495--1498)
完美的构图、和谐的形与空间、丰富的心理刻划、深刻的人性，昭示着古典美。《蒙娜 · 丽莎》 ( 约 1503--1506)
达 · 芬奇历时数年绘制的这幅半身像，他把这位商人妻子处理成两手自然交搭，身躯和头部不同程度侧转的方式，既克服了单调又显得从容。蒙娜 · 丽莎富于实体感的血肉之躯及神秘的微笑，与宛如中国山水一般的淡远背景结合在一起，给人留下无限遐想的余地，使后人可以进行不同的阐释。这种像现实生活一样复杂丰富、让人一言难尽的感觉，恰是最伟大的文艺作品特有的品质，为后人确立了一种半身肖像画模式。
（ 2 ）米开朗琪罗
西方最伟大的雕刻家米开朗琪罗 (MichelangeloBuonarroti,1475--1564) 。在致力于领悟古人成就时，也致力于解剖人体，研究人体的结构和运动，这使他成为量充分发挥人体．表现力的美术家之一。不同于充满深遂智慧之美的达 · 芬奇的艺术，米开朗琪罗的作品以力量和气势见长，具有一种雄浑壮伟的英雄精神。或许，他是一位最接近贝多芬境界的美术家。在他的雕塑上，在他的绘画中，一个个巨人般的宏伟形象挺立起来，就连他塑造的女性形象，也都具有刚勇的气概，仿佛是神话中的阿玛宗女子。
代表作品：雕像《大卫》 (1501--1504) ，是美术史中最为人们熟悉的不朽杰作，也是最鲜明展示盛期文艺复兴意大利美术特点的作品。在用一块久被弃置的名贵石材雕刻大卫形象时，他真正实现了把生命从石头中释放出来的理想，以精湛的技巧、强烈的信心，雕凿出这尊完美的英雄巨像。
(3) 拉斐尔
拉斐尔 (RaphaelSanzio,1483--1520) ，作品一直被人们视为古典美术精神最完美的体现。安格尔称他是绘画之神。拉斐尔是西方美术史上最擅长塑造圣母形象的大师。他那一系列圣母像，把感性美与精神美和谐无间地统一起来，从而传达出人类的美好愿望和永恒感情。平易近人、亲切自然是拉斐尔作品的最大特色。在他笔下，深刻的知识和精心的推敲全溶在用流利线条构成的轻松自如的艺术世界中，一切都仿佛是天性的自然流露，是一派天籁之声。纯真优美、庄重自然、明快清晰、和谐简洁，这些古典美术最推重的品质，在拉斐尔身上获得了最鲜明的体现。因而，那些推崇古典风尚的美术家，都把他当成理想的楷模，恰如雷诺兹说的 :" 他本人成为所有后代画家的样板。
代表作品：《美丽的女园丁》 ( 约 1606) ，拉斐尔以圆润流畅的线条把圣母、耶稣和圣约翰的优美形象和谐地组合起来，创造出充满人间气息的、亲切的 " 神的世界 " 。这一世界远离了中世纪的精神，它那纯洁、明朗、单纯、自然的情韵更接近希腊的精神。
在意大利文艺复兴美术的发展中，佛罗伦萨、罗马发挥着极为重要的作用，大部分 15 世纪的美术家，都是在这两座城市中活动的。其他城市如威尼斯这座意大利北方的城市，曾是东西方贸易的中心，它的共和政体，它的商业气氛，使它的社会生活中洋溢着浓重的世俗色彩和欢乐情调。在这种独特的形势下，威尼斯美术也呈现出与佛罗伦萨、罗马不同的独特面貌。它的绘画，大大发挥了富于感官魅力的色彩的表现力，与重视线条和素描的佛罗伦萨、罗马绘画颇有差异。
(4) 提香
提香 (Titian,1488/90--1576) 以其漫长一生的丰富创作，成为威尼斯画坛的泰斗。他在实践中创造出了洋溢着欢乐气息、生机盎然、富丽堂皇的风格。成为与达 · 芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔一起象征盛期文艺复兴意大利美术光辉成就的主要代表人物。
代表作品 《戴荆棘冠的基督》 ( 约 1570) ，威尼斯画派画家素以擅长用色著称，构成他作品魅力的主要因素，就是色彩。这是佛罗伦萨美术家与威尼斯美术家间的差异。这种差异，往往使后代油画家能更直接地从提香等威尼斯画家作品中获得技法上的启示。油画这种能发挥光色表现力的形式，在意大利，是由提香等人完善起来的。在提香晚年的作品中，油画语言的特点得到淋漓尽致的发挥。创作时，他运用阔大奔放的笔触涂抹着不同的色彩，用它们来塑造形体、渲染气势。在这儿已没有了清晰的形与线，也没有了以往他作品中的明朗欢快气息。浑厚凝重的色彩配置，成为表现强烈悲剧情调的有力武器。在这件展示提香炉火纯青的油画技法的作品中，我们可以看到他在精神和语言方面的发展变化。
Ⅶ 西方古典主义美术特点以及的发展阶段。
古典主义美术的艺术特征是：
一、强调遵循古代和文艺复兴盛期的艺术传统；
二、题材大多是神话、圣经、历史故事，特别是王朝的一些史迹，现实生活的题材往往被排除在外；
三、作品的规模较大，强调庄严、宏大的气魄。宫廷内的古典主义美术家还十分注重作品的豪华性；
四、在技巧上注重精确的素描，多运用简练、明确、清晰的艺术语言。
从发展过程上最先是文艺复兴，到巴洛克风格，再到洛可可风格，最后是现实主义。
Ⅷ 现代美术分有几个时期，各有何艺术特点
意大利文艺复兴时期的艺术发展共分几个阶段分为开端、早期、盛期、晚期四个时期.
开端：新的写实因素开始出现.
早期：大批艺术家对新的艺术精神和因素的探索阶段,尽管这时的艺术还不成熟,尚未形成理想化的规范,却能
体现出艺术的真挚和纯朴.、盛期：是最辉煌的时期,人才辈出、硕果累累,新的古典艺术规范建立,绘画技法发展.
晚期：是一个探索艺术
新风格,突破盛期艺术规范的过渡时期.
Ⅸ 西方古典主义美术特点以及的发展阶段有哪些
古典主义美术的艺术特征是：
一、强调遵循古代和文艺复兴盛期的艺术传统；
二、题材大多是神话、圣经、历史故事，特别是王朝的一些史迹，现实生活的题材往往被排除在外；
三、作品的规模较大，强调庄严、宏大的气魄。宫廷内的古典主义美术家还十分注重作品的豪华性；
四、在技巧上注重精确的素描，多运用简练、明确、清晰的艺术语言。
从发展过程上最先是文艺复兴，到巴洛克风格，再到洛可可风格，最后是现实主义。
Ⅹ 意大利文艺复兴时期的艺术发展共分几个阶段，各个阶段的艺术特色是什么
达芬奇、拉斐尔、米开朗琪罗
这是
意大利文艺复兴时候的三杰！
达芬奇是意大利文艺复兴盛期的著名的画家、科学家。他一生完成的作品不多，但几乎件件都是不朽的名作。他的作品自始至终具有鲜明的个人风格，并特别善于将艺术创作和科学探讨相结合，在世界美术史上堪称独步。他的笔记中涉及科学研究的范围极其广阔，从物理数学到生理解剖，几乎无所不包；他在技术方面的创造发明遍及民用、军事、工程、机械等各方面。
拉斐尔幼年便从父学画，他的父亲是乌尔比诺公爵的宫廷画师。他的画面上始终洋溢着明净的色彩、柔和的光线和宁静而优雅的节奏感，这都得益于他受到的早期教育。
米开郎琪罗是意大利文艺复兴盛期的雕刻家、画家和建筑师，是文艺复兴盛期的代表。他少年时代就进入著名的"梅第奇花园"，在那里接受了艺术训练，并接触到大量收藏在那里的古代艺术珍品，在他的早期作品中已流露出不凡的气质。
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